GOTYE

Gotye, el nuevo cantante que está causando furor en toda Europa, siendo número uno en casi todas las listas musicales más importantes de todos los países Europeos, escoge el arte como método para expresar su nuevo single, haciéndose partícipe junto a Kimbra de la propia pintura que hay detrás de ellos.
Músicca, bodypaint y ARTE, todo unido en cuatro minutos...

STOP MOTION PARA NIÑOS

En la búsqueda de nuevas formas educativas para captar la atención de nuestros alumnos y ayudarlos a entender lo artístico como contenido útil en sus vidas, hemos encontrado un proyecto muy interesante para la realización de stop motion.

¿Qué es el stop motion?

 

El stop motion es una técnica de animación  que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas.

Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable,  y las animaciones utilizando objetos rígidos. 

Esta técnica puede ser realizada por un niño tutorizado por su profesor, usando como materiales una cámara de fotos o vídeo y los personajes. Sin embargo, como comentábamos anteriormente, hemos descubierto un proyecto basado en una máquina que facilita aún más este proceso.

Se trata de una máquina llamada "PAS A PAS"

Pas a Pas ese un proyecto interactivo con la intención de educar y entretener niños a través de una máquina que permite crear y ver animaciones en stop motion.

Para mostrar mejor su funcionamiento, añadimos un vídeo que lo explica a la perfección. 

http://vimeo.com/17885101 

TEMA 9: DEPARTAMENTO DE DIDÁCTICA EN LAS INSTITUCIONES CULTURALES-ARTÍSTICA

El tema a tratar comprende las lecturas “Aprendiendo a ver. Acercamiento al lenguaje artístico y el arte contemporáneo para alumnos de primaria” del autor Manuel V. Tamariz, y “Cómo hablar de arte a los a los niños” de Barbe Gall, F.

Dichas lecturas, nos ayudan a conocer y analizar los elementos necesarios para acercar el arte a los alumnos, así como los materiales, recursos y metodologías más adecuadas.

RESUMEN

La función principal de un departamento didáctico es adaptar los contenidos para que se conviertan en material asequible para alumnos de diferentes etapas. Para ello, se hace uso de  una serie de estrategias para captar la atención del alumno. 

Dentro de un museo, este departamento concibe al espectador como un elemento activo en el proceso de aprendizaje, a través del aprendizaje por descubrimiento. Con ellos, conseguimos que los museos se conviertan en una alternativa cultural atractiva para que los alumnos  puedan escoger y disfrutar en su tiempo de ocio. Un buen departamento didáctica debe ayudar a aprender a observar, dialogar y mirar atentamente las obras de arte, leer e interpretar imágenes, así como desarrollar el pensamiento crítico.

Otro tema a tratar es la formación del profesorado, que calificamos deficiente en los aspectos que rodean a la asignatura de plástica, que termina desarrollándose de forma autodidacta en los profesores más atraídos en esta asignatura.

Asimismo, cabe destacar,  la adaptación de los museos para personas con discapacidad. Concretamente, en el museo Reina Sofía, de Madrid, se realiza dicha adaptación a través de diversos métodos como la exploración de diagramas táctiles, la ayuda de informaciones verbales y la realización de talleres de creación. “Experiencia Guernica”. De este modo, el arte se muestra a través de otros sentidos como  el tacto y el oído y permiten que el arte no tenga límites.  

Como conclusión este análisis, consideramos que tanto la conceptualización de lo que significa un departamento didáctico, como la realidad a la que nos enfrentamos como futuros maestros y la innovación en la forma de entender un museo, son contenidos de especial relevancia para luchar en el futuro por una motivación en el alumnado que parece perderse en la sociedad actual. El contenido tratado, por tanto, es tan creativo en el contenido como en la forma.

TEMA 7 “APORTES DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AL DESARROLLO HUMANO Y AL CURRICULUM OFICIAL”

Lo dividiremos en tres documentos: “Didáctica específica de la expresión plástica” de J.L. López Salas; “Educación estética y educación artística. Reflexiones para una enseñanza creativa” de G. Sánchez; y el libro “Educación artística y desarrollo humano” de Howard Gardner.

“Didáctica específica de la expresión plástica” de J.L. López Sala, se expone como a lo largo de la historia, el ser humano, a concebido el arte ateniéndose a dos características principales:

§  Históricas: El hombre siempre ha sentido la necesidad de expresarse a través del arte.

§  Biológicas: El arte es algo innato a la naturaleza humana.

Según estos dos conceptos tres son las necesidades humanas por las cuales se creaba el arte:

§  Arte emocional: Tiene carácter físico, psicológico, estético y espiritual.

§  Arte técnico: Tiene carácter práctico referido al diseño y la industria.

§  Arte descriptivo: Tiene carácter práctico tanto en la ciencia como en la ilustración.

 “Educación estética y educación artística. Reflexiones para una enseñanza creativa” de G. Sánchez, centrándonos ya en la era que nos concierne a nosotros, una etapa actual.

Debemos promover el desarrollo de las capacidades personales de los alumnos, relacionadas con su imagen, su autoestima, su comprensión del lenguaje no verbal, sus dotes para la observación y su capacidad creativa. Y ahí es donde entran en juego los tres términos más importantes a lo largo de esta lectura:

§  Expresión: El arte como vehículo para expresar sentimientos.

§  Estética: El valor de la percepción, de lo que el arte provoca en nosotros, dimensión espiritual del ser humano.

§  Artística: El arte como búsqueda de la belleza.

Howard Gardner, psicólogo cognitivista que ha hecho importantes contribuciones a los campos del desarrollo cognitivo y a la educación artística durante más de 20 años.

Como teórico del aprendizaje viene también a remarcar los múltiples aspectos de este proceso tan complejo. En su obra "Educación artística y desarrollo humano", deja patente la particularidad del entorno artístico dentro del sistema educativo. Si observamos cómo dan artística en diferentes países, veremos que hay muchos métodos para dar esta asignatura, que reflejan los valores propios de la cultura en la que se imparte pero por lo que se refiere a Gardner es que pretende examinar cómo afectan las diferencias individuales y los efectos que tiene la escuela.

La creación de la escuela la hubicamos hace unos pocos miles de años y las diferentes variedades de escolarización han ido evolucionando a lo largo de todo este tiempo.

Se ha demostrado que en su desarrollo natural el niño adquiere mejor los conocimientos por estar contextualizados, mientras que en la escuela los aprendizajes son  descontextualizados y por lo tanto mucho más difíciles.

Aplicando esto al arte, podemos observar que en la escuela, la mayor parte de la E. artística se da en preescolar, lo que nos muestra la poca importancia que tiene esta materia en el resto del curriculum. El problema es que lo poco que se da en los cursos posteriores es procedimental, y debemos de ir más allá y proporcionar conocimientos teóricos y prácticos más amplios a nuestros alumnos.

Nosotras destacaríamos de este autor  (que también aparece en las otras dos lecturas de este tema), es la necesidad de incorporar la formación artística en la programación general, pero no como fin sino como medio. No se trata sólo y exclusivamente de enseñar artes plásticas en la asignatura reservada para este ámbito. Se trata también, de emplear esta disciplina camuflada en los entresijos de todo el curriculum. Nuevamente aparece como valor más apreciado la creatividad.

Además el mundo cambia a velocidades vertiginosas y conceptos como el de inteligencia colectiva y su apoyo en las nuevas tecnologias de la información y comunicación, hacen imposible la adaptación de la sociedad a las nuevas circunstancias. La aparición de internet y los nuevos dispositivos, ha dejado en mantillas las repercusiones acaecidas con la aparición de la imprenta. Y la escuela actual no es excepción a este ritmo vertiginoso. Esta institución no está siendo capaz de adaptarse a este ritmo de cambios. 

En este punto, podemos observar la necesidad de incluir nuevos elementos en el curriculum de la E. artística, y para saber cuáles deben ser estos elementos debemos ponernos como base, el objetivo de obtener una población de estudiantes que tengan cierta competencia en la producción como mínimo en un medio, que hayan desarrollado habilidades en la contemplación de obras de arte, que posean cierta comprensión del proceso artístico, y que se hayan enraizado en las tradiciones históricas, filosóficas y culturales del arte de nuestra sociedad.

Según el proyecto ARTS PROPEL (Producción, Percepción y Reflexión), estas tres palabras son los 3 componentes que se consideran fundamentales en toda educación artística.

En conclusión, representa un intento de ir más allá de la producción pura en la educación de las artes.

TEMA 8: EL LENGUAJE VISUAL

En este tema hemos visto las características, funciones e importancia social que adquiere el lenguaje visual en las relaciones sociales, consumismo y realidad.

Vivimos en una sociedad en la cual nos comunicamos por imágenes en su gran mayoría, por ello en este tema conoceremos el desarrollo de las imágenes a lo largo de la historia de la publicidad y de la importancia de inculcar una buena educación a los menores para que sepan interpretar todo este flujo de información gráfico.

Las imágenes se visualizan desde tres perspectivas: la social, la particular y la educativa.

Existen dos posiciones paradigmáticas para la lectura de la imagen:

-       -Connotativa: el sentido de la imagen

-       - Denotativa: los elementos de la imagen

Lipovetsky añade el prefijo hiper a la sociedad del consumo, ya que estamos ante un mercado gobernado por el lenguaje visual. La publicidad lo utiliza para incitarnos. Estas imágenes pueden ser manipuladas con el fin de atraer más al espectador, maquillando la verdad y la necesidad de adquirir un producto.

Añadir leyenda

A diario, estamos expuestos a infinidad de imágenes publicitarias, por ejemplo en la prensa escrita podemos encontrar imágenes informativas y publicitarias, la imagen o fotografía ha sido una de las primicias más relevantes e importantes para destacar los contenidos visuales en las últimas décadas. Sus funciones sin informativa, recreativa y sugestiva.

Dentro del campo educativo, la imagen adquiere otras funciones, como la motivadora, explicativa, informativa, etc.

En la publicidad, el acto publicitario a través de la imagen se centra en el ámbito del as relaciones sociales más que en el producto en sí, esta estrategia es la que les permite difundir el producto y que la sociedad hiper-consumista lo adquiera de inmediato, que perciba que es un producto necesario que verdaderamente otorgará  un cambio en el ámbito social de la comunidad. Por ello, desde la escuela es importante que se muestre el estudio de la imagen y los diferentes fines que esta adquiere en los diversos campos.

A modo de conclusión la publicidad mueve masas, el lenguaje visual al que estamos constantemente expuestos manipula nuestros sentidos y la mayoría de veces nos conduce al consumo y al engaño. Esta, es una afirmación grave que por supuesto ha de introducirse en las escuelas paliando la ignorancia en la que estamos inmersos con respecto al mundo publicitario.

TEMA 6. LA FASE ESQUEMÁTICA: EL CONCEPTO DE LA FORMA

Uno de los aspectos que determinan el esquema que tenemos de los objetos es la forma en el que las vemos en relación a la significación emocional que poseemos, las experiencias asociadas a este objeto y sus características propias. La fase esquemática de los niños se encuentra entre los 7 y los 9 años de edad. Es una etapa de gran importancia en el desarrollo de los infantes.

Dentro de un dibujo podemos encontrar varios tipos de esquemas:

El esquema humano, que se caracteriza por ser individual y personal. En él las representaciones de partes del cuerpo vemos que dependen del conocimiento que los niños tengan acerca de ellos. 

El esquema espacial, el niño posee una conciencia espacial en relación al espacio físico, los objetos y él mismo. Dentro de un dibujo podemos observar que se representan bajo la orden de una línea básica, que es en la que descansan todos los elementos del dibujo o bien puede aparecer como la superficie del mismo.

Los Rayos X, se refiere a la representación de un dibujo mezclando el interior y el exterior de un paisaje.

El tiempo y el espacio se representan a través de secuencias temporales o impresiones espaciales diferentes, como pueden ser las viñetas o las representaciones continuadas.

Dentro del esquema, puede haber variaciones como la exageración de las partes del cuerpo, omisión de partes importantes u ocultas y cambio de símbolos para partes relevantes.

Sobre el color y los objetos, el niño descubre que hay una estrecha relación entre ambos. El dibujo, la pintura, la expresión plástica o el arte de la creación facilita al niño un mundo de liberación de emociones y sentimientos, descubrir la relación con el mundo de los objetos.

En la clase, lo ideal sería no escoger ninguna temática, no ponerle límites, pero debido a las influencias sociales esto se hace imposible. Dentro de un aula es importante conocer el manejo y selección de los materiales, así como las necesidades que tienen los alumnos, sin incidir nunca en sus creaciones, no decirle cómo o qué tiene que dibujar, ni tampoco abrumarlo.

En conclusión, esta experiencia artística que intentemos desarrollar con los alumnos ha de ser manejada por los mismos, que sea una experiencia creciente y enriquecedora, que se sientan libres, siempre teniendo en cuentan las características individuales y generales que se tienen en diferentes edades.¡Hay que dejar crecer las ideas! 

TEMA 5: HERRAMIENTAS DEL LENGUAJE VISUAL

A través del lenguaje visual se construyen mensajes que llegan a nosotros a través de la vista. Este tipo de lenguaje se desgrana en dos grupos de herramientas: de configuración y de organización.

Vamos a estudiar primero las herramientas de configuración, dentro de este grupo encontramos 5 herramientas específicas de este campo:

1. El tamaño--> se siguen tres criterios para crear un producto efectivo y estos son el impacto psicológico que causa al espectador, el efecto de notoriedad y la comodidad de manejo.      

2. La forma--> los límites exteriores de un producto pueden ser orgánicos o artificiales. También se tiene en cuenta la forma del producto como objeto, el contenido del producto y el espacio que ocupa.

3. El color--> con él trasmitimos significados y es una herramienta cargada de información asignada al producto y adaptada a la respuesta del espectador. El color puede tener varios rasgos (luminosidad, saturación, temperatura, etc). Los niveles de selección de un color son el contenido simbólico, el calendario comercial, el contraste visual, la identificación de la marca y con el público.

 4. La iluminación--> depende del tipo de fuente, la cantidad, temperatura y orientación, ya que alternando o cambiando estos aspectos conseguiremos trasmitir un mensaje diferente al espectador.

5. La textura--> es el material del que se constituye la imagen o el efecto que se le brinda para que simule una textura determinada.

 En segundo lugar encontramos las herramientas de organización, dentro de este grupo encontramos

   La composición: se trata de organizar dentro de una imagen los elementos que la componen para conseguir trasmitir el mensaje que pretendemos, puede ser reposada o dinámica

   La retórica visual enlaza los significados de los elementos que componen la imagen. Dentro esta encontramos cuatro figuras básicas:

Sustitución-->  metáfora, alegoría, metonimia o prosopopeya

Comparación--> oposición, paralelismo o gradación

Adjunción--> anáfora, epanadiplosis, hipérbole o préstamo

Supresión--> elipsis